Acudieron el embajador de España en Italia, el director del Instituto Cervantes, la esposa del artista así como representantes de Cajanarias y la Fundación

Horacio Umpiérrez, viceconsejero de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Canarias, inauguró anoche la primera exposición individual del artista canario Cristino de Vera en Italia, situada en la Sala Dalí del Instituto Cervantes que se encuentra en la Piazza Navona. Acudieron además Miguel Fernández-Palacios Martínez, embajador de España en Roma; Óliver González González, director general de la Fundación CajaCanarias; Margarita Ramos Quintana, presidenta de la Fundación CajaCanarias; Ignacio Peyró, director del Instituto Cervantes de Roma; Aurora Ciriza, esposa de Cristino de Vera,; Juan Manuel Bonet, Comisario de la exposición y Clara Armas de León, directora de la Fundación Cristino de Vera.

Pensada por Juan Manuel Bonet, la muestra reúne obras desde los inicios de los años 50 hasta los últimas dibujos a tinta china, ofreciendo un recorrido de la trayectoria artística del artista. Esta selección se nutre de las 3 colecciones más importantes de Canarias; la de CajaCanarias, la Fundación Cristino de Vera y del Gobierno de Canarias. Fruto de la generosidad del artista hacia nuestras instituciones, la Comunidad Autónoma de Canarias recibió el legado en tres parte, en 1996, dos óleos y doce dibujos, en 1997, una treintena de obras, entre óleos y dibujos, realizados entre 1957 y 1997, y en 1998 la tercera donación al patrimonio de Canarias en la clausura de la exposición itinerante Legado de Cristino de Vera, organizada por la propia Viceconsejería de Cultura, que se presentó en las capitales de cada una de las islas del Archipiélago.

Bienal de Venecia

Si es la primera exposición individual de Cristino de Vera en Italia, no es la primera vez que presenta su obra allí. En 1962 expuso como integrante del Pabellón Español de la Bienal de Venecia. En 2021, a través de la muestra colectiva titulada ExiliArte. Memoria de una carpeta dedicada a Rafael Alberti, que se celebró en el Instituto Cervantes de Toulouse, Francia, y en el de Roma, Italia, en la cual participó.

Aparte de numerosas exposiciones individuales y colectivas que el Gobierno de Canarias organizó en sus espacios expositivos, es importante recordar que Cristino formó parte del elenco de artistas en la muestra colectiva “Desde el volcán. Artistas Canarios del siglo XX”, celebrada en el Centro Cultural del Banco Interamericano de Washington, Spanish Institute de Nueva York, en San Antonio de Texas y en el Museo de Arte Contemporáneo Sofia Imber de Caracas, Venezuela, en 1993.

Cristino de Vera es unos de los artistas más importantes y más premiados de la generación de postguerra en España. Como primer reconocimiento, recibe en 1962 el Premio de la Fundación Juan March. En 1998, es galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas, concedido por el Ministerio de Educación y Cultura, y entregado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el 19 de octubre del año siguiente.

En 2005 se le entrega del Premio Canarias de Bellas Artes e Interpretación, en un acto celebrado en el Auditorio de Tenerife, por el presidente del Gobierno de Canarias, Adán Martín. En Canarias recibirá en 2019 el Premio Taburiente, concedido por la Fundación Diario de Avisos y en 2021 El Círculo de Bellas Artes de Tenerife le concede el Premio Círculo de Bellas Artes 2020.

Tradición simbolista

Fiel a la tradición simbolista, Cristino de Vera ha mantenido rigurosamente la mayor parte de los preceptos establecidos por una larga lista de artistas entre los cuales destacan Zurbaran, Morandi, Luis Fernández, y Daniel Vázquez Díaz que fue su guía en sus inicios en Madrid, a principios de los 50. De los maestros, Cristino de Vera enfatizó algunos de los principios fundamentales de la pintura y del dibujo, como son la luz, el espacio bidimensional y la figura. En paralelo tomó el plano, el objeto, la composición abierta y el silencio como principales características de su pintura.

Cristino de Vera distingue la espiritualización de la ausencia frente al bullicio retórico como un lugar propio de su pintura. Analiza los espacios vacíos y atrayentes de la expresión como una depuración. Observa lo racional que es la naturaleza dentro de su nueva figuración. En 1960, cuando Cristino inicia su andadura, el paisaje artístico español y mundial esta dominado por los expresionistas abstractos, como sus coetáneos Millares y Chirino. Ellos sostienen una expresión hacia fuera; Cristino de Vera elige una expresión hacia dentro, con recursos mágicos, viscerales, fantásticos, una nueva mística de la pintura.

Tras su primer viaje a Inglaterra, Francia, Bélgica e Italia, gracias a la beca recibida por la Fundación March en 1960, redacta una memoria de viaje. Este texto está recogido en el libro La palabra en el lienzo, publicado por la Fundación Cristino de Vera – Espacio Cultural CajaCanarias en 2006. En esas primeras impresiones sobre la ciudad eterna podemos percibir lo que fue el estilo tan particular de Cristino de Vera:

“Roma está cargada de duendes, a ciertas horas sus ruinas, sus estatuas y puentes parecen bellas apariciones de luz y forma. […] Todo tiene gran peso y medida… Se siente siempre la plenitud y robustez de los contornos. […] iHe meditado mucho sobre mis sensaciones en Italia… Yo no sé qué hay detrás de la intensidad y melancolía que me produce el silencio de un campo… la contenida perfección de unas formas… La profunda magia que hay desde un árbol a la raya de infinito más próxima a la visión”.

LA BIBLIOTECA INSULAR EXHIBE LAS IMPACTANTES IMÁGENES DEL FOTOPERIODISTA UCRANIANO EVGENIY MALOLETKA, GANADOR DEL WORLD PRESS PHOTO Y PREMIO PULITZER EN 2023

Coincidiendo con el segundo aniversario de la invasión rusa en Ucrania, la Biblioteca Insular de Gran Canaria inaugura el próximo viernes, 23 de febrero a las 19:00 horas la muestra fotográfica ‘Crónica visual de la infamia’, posiblemente una de las mejores exposiciones que este año puedan contemplarse en el mencionado centro que gestiona la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario y que podrá visitarse hasta el 22 de marzo

El instante en el que los servicios de emergencia ucranianos transportan a una mujer embarazada fuera del hospital de maternidad de Mariúpol, captada la mañana del 9 de marzo de 2022 por la cámara del fotoperiodista ucraniano Evgeniy Maloletka, ocupó las portadas de periódicos de todo el planeta, a los pocos meses de iniciarse la injustificable invasión rusa de Ucrania. Esta foto de Maloletka fue galardonada meses después como la Foto del Año del más prestigioso certamen de fotografía periodística del mundo, el World Press Photo. El conjunto de su trabajo de aquellos días obtuvo además decenas de galardones y reconocimientos internacionales, entre los que cabe destacar el Premio Pulitzer, el Premio Knight Internacional de Periodismo o el Visa d’or News.

Comisariada por el también fotógrafo y artista visual canario Leandro Betancor Fajardo, la citada muestra, que cuenta con la colaboración de la Casa de Ucrania en Canarias y la Asociación Infinity, recoge una notable selección de impactantes fotografías realizadas por Evgeniy Maloletka, imágenes que vomitan el espanto y el horror que sacude su país y que resiste, desde febrero de 2022, el asedio constante al que lo someten las tropas rusas. La capital grancanaria será la primera ciudad de España en la que esta exposición individual se exhiba.

La Muestra, cuyo título está inspirado en el celebrado libro del escritor argentino Jorge Luis Borges, la conforman 40 fotografías de Evgeniy Maloletka correspondientes a su trabajo de los últimos dos años, aunque su cobertura comienza en 2013, diez años durante los que ha cubierto este enfrentamiento desde sus inicios, desde las manifestaciones del EuroMaidán, la guerra del Dombás y la invasión de Crimea hasta el actual conflicto armado resultado de la invasión comenzada el 24 de febrero de 2022.

Asimismo, el público podrá contemplar en la Biblioteca Insular algunas piezas documentales del propio Maloletka y una pequeña entrevista con él, que además puede sumar este año un prestigioso reconocimento más a su trabajo, pues participa en el documental ‘20 días en Mariupol’, nominado al Oscar y el Bafta a Mejor Película Documental del Año y que hace escasos días recibió el Premio del Sindicato de Directores al Mejor Documental. Es por eso que esta exposición se completa con algunas de sus piezas audiovisuales, procurando así al visitante un mejor acercamiento a su mirada.

Según Leandro Betancor, comisario de la exposición, la mirada de Maloletka “se ha convertido en uno de los testimonios más cercanos y certeros del drama que sufre la población civil ucraniana, como siempre, las únicas y verdaderas víctimas de esta y todas las guerras. Un trabajo fotográfico que anuda gargantas y enmudece el grito de rabia que sus imágenes nos provoca. Pero que tienen el enorme valor de convertirse en las pruebas de cargo incontestables que señalan la infamia de los culpables. Sólo se le permite a los fotógrafos como Evgeniy Maloletka cerrar un ojo y abrir el otro para apuntar y disparar con su cámara la única verdad de la guerra: la de los que siempre pierden con ella”.

Maloletka, fotógrafo, periodista y cineasta natural de Berdiansk (Zaporiyia), cubre el conflicto en Ucrania desde sus inicios y ha testimoniado con su cámara las protestas del movimiento Euromaidán y las de Bielorrusia, la guerra de Nagorno-Karabaj y la evolución de la pandemia de covid-19 en Ucrania, colaborando con medios de prestigio como Associated Press, Al Jazeera, Der Spiegel y otros medios de comunicación internacionales. Las fotografías de Evgeniy Maloletka han sido exhibidas ya en 70 ciudades de 30 países diferentes.

Lourdes Rojas de Echevarría, conocida en el ámbito artístico como Lou Red, es una artista audiovisual y multidisciplinar (también es productora, realizadora, escenógrafa y docente)

Tras estudiar en profundidad la obra del pintor indigenista galdense Antonio Padrón, propone una reinterpretación de su obra a través del concepto de magua, término que procede del portugués, y que el Diccionario Básico de Canarismos define como “pena, lástima, desconsuelo por la falta, pérdida o añoranza de algo”. El resultado es una exposición en la Casa-Museo Antonio Padrón-Centro de Arte Indigenista de Gáldar, compuesta por 20 fotografías, realizadas con la técnica de collage digital, que se inaugura el próximo día 15 de febrero, a las 19.00 horas. La muestra, de visita gratuita, permanecerá abierta al público hasta el 31 de marzo en el espacio expositivo de ‘El voladizo’ en el horario del museo, de 10:00 a 18:00 horas, de martes a domingo.

Sobre la magua

Lourdes Rojas realiza su propia reflexión sobre el concepto de magua, ya no solo en el plano artístico, sino en el personal. “Bueno, llegar a una especie de definición en torno a esta palabra fue complejo, por un lado desde la propia palabra en sí y sus matices, y, por otro, desde la forma adquirida. Sería algo así como la esperanza que no llega, aquello que ocurre en nuestro interior nada mas quitar la alegría, cuando aparece la pena, el desconsuelo, la aflicción y el café amargo”.

La sombra de la magua de la propia artista sobrevuela también en la obra. Al leer la obra y biografía de Antonio Padrón, Lou Red vio la reseña acerca de la pérdida de los seres queridos del pintor en su infancia. Eso le hizo conectar con su propia pérdida, la de su hermana pequeña, a causa de una negligencia médica. “Me hizo pensar sobre una idea que llevaba mucho tiempo en mí, la muerte vista de cerca cuando se está en la primera etapa de la vida, cuando todavía no tenemos un conocimiento sobre el mundo y, sobre todo, cómo eso influye en nuestra forma de expresarnos. ¿Nos da cierta magua al no comprender bien lo que pasa?”, se pregunta la artista.

La propuesta

La exposición se compone de una serie de cuadros que nacen de la observación de la obra en el museo y de la elaboración posterior de composiciones en fragmentos de fotografías realizadas y trabajadas con técnicas de collage digital. En su hilo conductor aparece, la magua y lo fractal, concepto en el que un objeto geométrico repite el mismo patrón a diferentes escalas y con diferente orientación, y, a medida que surge el proceso de elaboración de la idea, esta va tomando forma.

En la primera impresión, Rojas tomó unas fotografías de la última obra inconclusa en el taller del pintor, ‘La Piedad’, y, a partir de ahí, elaboró los primeros esbozos, donde apareció una máscara. “Entonces decidí trabajar transversalmente sobre la idea, la palabra, el sentido y los sentimientos que englobaba el término”, apunta Lou Red.

Al buscar un mayor detalle, “arrojando luz sobre lo percibido”, la autora indagó en la colorimetría empleada y sus formas, al tiempo que balanceaba sobre la palabra y la profundidad donde habita. El resultado fue “una reflexión poética sobre lo que sentimos mas allá de la piel y las estructuras geométricas dentro del ser”.

La muestra está compuesta por una veintena de piezas, separadas por 3 actos o etapas del proceso y realizadas con técnica mixta. “Parto de fotografías que he tomado de fragmentos de la obra de Antonio Padrón y elaboradas por fotomontaje digital, una serie de poemas visuales que se han quedado latentes y una pieza audiovisual en bucle ‘Ojo: oído interno’.

Trayectoria de Lourdes Rojas de Echevarría

Lourdes Rojas de Echevarría (1968) ingresó en la Escuela Luján Pérez en 1976. Allí, artistas consagrados, como Felo Monzón, la iniciaron en el trazo desde el indigenismo al arte más geométrico y abstracto. Al llegar al instituto, en 1985, ganó su primer concurso con un collage donde representaba la navidad por medio de un árbol construido con las atrocidades del momento, las guerras, el hambre, las desigualdades, los conflictos humanos con la naturaleza misma.

En el verano de 1987 el Centro Insular de Cultura le abrió la puerta a las artes en general y las escénicas y el cine, en particular, en el apartado de producción. Comenzó la senda con ‘Calvario, tocata y fuga de un ataúd’. Luego pasó de meritoria a jefa de producción.

Pilar Miró fue determinante en sus enseñanzas y se nutrió de la vida del cine desde dentro. Continuó creando con A.S.L. Undelcepu (1991-1994), desde donde hacían impacto visual en la calle y performances. Siguió trabajando y combinando estudios cortos. Hace su primera dirección de arte con ‘Los hijos del viento’, de F. Merinero. Después, se convierte en jefa de localizaciones para el equipo de arte de ‘Aliados’, con Robert Zemekis, en 2015-16.

Al mismo tiempo imparte clases en las que prepara a las nuevas generaciones sobre conceptos como localizaciones, y mímesis para escribir el paisaje, el decorado versátil y mimético que tanto andan buscando las industrias culturales y creativas. En 2018 realizó escenografía inmersiva. El proyecto consistió en la creación de 17 espacios para representar los hábitats y costumbres desde una nueva visión y formato de ‘El legado de Atindamana’.

Continuó combinando los trabajos internacionales y locales. Destacan proyectos como ‘Norberta’, cortometraje de Lila o ‘La maldita puerta de atrás’, de Anartistas, o videoclips como ‘Tiritas’, de Belén Álvarez. En 2021 coopera en un estudio sobre la diversidad, proyecto que se traduce en la publicación de un libro para dar a conocer desde la prosocialidad las miradas diversas. La obra fue presentada en Barcelona, en el Palau Robert.

Colabora en el aula permanente de dramaturgia con Isabel Delgado, con el colectivo Autoras Malditas y con la escritura narrativa con Pedro García en el taller de Santa Brígida. También se ha nutrido con Marta Pazos en torno a la dramaturgia del color y con Palma Christian y Ana de la Puente en el taller de grabados del Cabildo de Gran Canaria.

Octavio del Toro (Gran Canaria, 1966) rinde homenaje a la enigmática figura de la harimaguada aborigen en la exposición que inaugura el día 15 de febrero en el Museo Agáldar de Gáldar

La citada exposición, que podrá contemplarse en el mencionado espacio cultural hasta el día 5 de marzo, forma parte del Circuito ‘Itineraria’ que impulsa el la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario a través de su Centro de Artes Plásticas, en estrecha colaboración con los municipios de la isla. La exposición ‘Harimaguadas’, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Gáldar, permanecerá abierta con entrada gratuita de lunes a viernes, de 9:00 a 18:30 horas, así como los sábados y domingos, de 10:30 a 18:30 horas. Dicha exposición recorrerá con posterioridad otros municipios de la isla.

Las contundentes figuras de Octavio del Toro ocupan con sus volúmenes todo el espacio disponible en la arpillera que utiliza como base para las obras que conforman esta muestra.

Harimaguada o maguada era el nombre con el que se denominaba a una serie de mujeres dedicadas, entre otras cosas, a ciertos rituales y al culto entre los antiguos canarios. Eran intermediadoras entre lo terrenal y lo divino, siendo unas figuras muy respetadas por la sociedad de aquel momento. La visión particular del artista sobre su figura y el lugar que ocupaban en la sociedad prehispánica centra la reflexión sobre la que gira esta exposición. “Para mí constituyen la representación de la importancia de la mujer”, explica del Toro, “tanto en aquella sociedad como pienso que, actualmente, en la nuestra”.

La interpretación que el pintor grancanario lleva a cabo de estas mujeres sacerdotisas en forma de figuras, ídolos y estatuillas se caracteriza por la recreación de sus rutinas. En las imágenes del artista (acrílicos sobre arpillera de distintos tamaños) las harimaguadas realizan sus rituales, sus ceremonias de verter leche, manteca, (quizás agua) en cazoletas, entre riscos, en medio de un paisaje no por más o menos inventado, sí reconocible, de montañas, roques, dragos, palmeras y tabaibas. “Me pregunto si, ante los sobresaltos en los que vivimos actualmente día sí, día no, no necesitaríamos otra vez de la intervención de esas harimaguadas”, reflexiona el pintor.

El indigenismo de Antonio Padrón es uno de los principales referentes para Octavio del Toro que, iniciado primero en la escultura, desarrolla su actividad artística de forma paralela a su labor como docente en la emblemática Escuela Luján Pérez, cuna de la formación de las mejores generaciones de artistas que ha dado la isla. El misterio del mundo íntimo femenino y el misticismo son dos temas recurrentes en esta corriente artística. En el caso del galdense Antonio Padrón, se personifica en la figura de la santera, mujer que representaba el mundo espiritual y oculto del universo femenino tradicional en Canarias.

Trayectoria de Octavio del Toro

Octavio del Toro nace en Las Palmas de Gran Canaria en 1966. Comienza en edad temprana a interesarse por la escultura, ingresando en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Las Palmas graduándose en la especialidad de Volumen (Vaciado/Modelado).

Complementariamente, amplía su formación en fundición a la cera perdida en la misma escuela. Se decanta por la pintura y, apoyándose en sus conocimientos del volumen, explora los contenidos estéticos de la corriente del indigenismo.

Su inquietud finalmente le lleva a ingresar como alumno en la Escuela Luján Pérez. Desde 1998 ha ejercido la actividad como docente en dicha escuela en la especialidad de Dibujo-Pintura, así como en La Fundación Luján Pérez de Santa María de Guía.

En su obra, Octavio del Toro ofrece al espectador la oportunidad de enfrentarse a su propio y rico mundo de imágenes. Las figuras reinan en el espacio acotado del lienzo, ocupan el escenario de cada uno de ellos con una presencia contundente y nítida. El artista, a lo largo de años de trabajo y de investigación, ha ido construyendo y elaborando su propio mundo, un universo fácilmente identificable, poblado de unas figuras características, magníficamente dibujadas, de grandes cuerpos plenos que casi ocupan todo el espacio, reutiliza y reinterpreta elementos de la tradición cultural y de nuestra realidad insulares y les da un nuevo enfoque y una nueva vida.

Las figuras tienen una apariencia voluminosa, conseguida con la utilización de los colores que, en matices de una gama muy personal, van creando esas superficies amplias. La técnica comúnmente escogida es el acrílico sobre arpillera con brocha, utilizada ésta con tanta habilidad que a primera vista parece un trabajo realizado con aerógrafo, tal es la maestría alcanzada por el pintor en el manejo de ese instrumento.

Los rotundos volúmenes delineados por Octavio del Toro invitan a involucrarnos en su mundo de figuras y figuraciones; participemos en el juego y figuremos nosotros también en este denso y silencioso mundo de paisajes básicos, poblados de personajes tratados con un humor sin sarcasmo, de colores intensos y refinados.

La Exposición “¡Chiquito mundo! El valor de los más pequeños”, de Antonio Pérez Marrero, se mostrará en el Centro Municipal de Cultura de Arucas, a partir del 19 de febrero

A partir del lunes 19 de febrero de 2024, se podrá visitar en el Centro Municipal de Cultura de Arucas la Exposición Fotográfica “CHIQUITO MUNDO. El valor de los más pequeños”, del fotógrafo aruquense Antonio Pérez Marrero, en una muestra promovida por el colectivo La Vinca Ecologistas en Acción en colaboración con la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Arucas, a través de la Biblioteca Municipal.

Tras haberse estrenado el pasado 2023 con una exposición dedicada a la luz en el paisaje de las islas, en esta ocasión Pérez nos acerca una aproximación al detalle de la naturaleza centrada en los animales más pequeños, que a pesar de su tamaño son de gran importancia para la vida.

Según Pérez, “¡Chiquito Mundo! se refiere por un lado a la fotografía de los más chicos y al mismo tiempo al uso que los canarios hacemos de la palabra Chiquito cuando queremos poner énfasis en algo de valor. El valor de mariposas o libélulas que son capaces de desplazarse miles de kilómetros, la importancia para la polinización de las plantas, el valor de la diversidad, que podemos observar; tanto en la variedad de bichos, como en las distintas formas, colores…, que han adoptado evolución de sus órganos: ojos, alas. Es esa tremenda riqueza la que me ha animado a proponer una exposición que sirva de modesto acercamiento a este asombroso mundo.

Mi interés por la fotografía de naturaleza, y de paisaje, y la intención de compartir la mirada con los espectadores es lo que anima a mostrar en esta, mi tercera exposición individual, a la que les invito a acercarse y conocer mi mirada hacia el mundo de los seres más pequeños, insectos y arácnidos, con detalles de macrofotografía”.

Antonio Pérez nace en Arucas hace 68 años, y realiza estudios de Pedagogía, trabajando la mayor parte de su vida en Educación.

La muestra permanecerá abierta hasta el 1 de marzo de 2024, y se podrá visitar en el Centro Municipal de Cultura de Arucas, de lunes a viernes, en horario de 9.00 a 14.00 h y de 16.00 a 21.00 horas.

El viernes 16 de febrero de 2024, a las 19.00 horas, se procederá a la Inauguración de la Exposición “Mi otro mundo, el azul”, de la firguense Yolanda González Santana, en el Centro Socio-Cultural LA CASA VERDE de la Villa de Firgas (c/ Los Berreros, nº 2), bajo la organización del colectivo La Vinca Ecologistas en Acción

“Mi otro mundo, el azul” es la primera Exposición de Yolanda González, que debuta mostrando su obra en público, y lo hace en su municipio de nacimiento, con esta muestra de fotografías bajo el mar.

En palabras de Yolanda González “empecé a bucear hace seis años y medio de la mano de un amigo que lleva toda la vida en este mundo. Probé y la sensación fue que allí abajo, en las profundidades del azul, por fin encontraba la paz y el sosiego que necesitaba tras el fallecimiento de mi marido (ya había pasado un año). Desde entonces las profundidades se han convertido en mi refugio, el lugar donde acudo cuando necesito calma.

El tema de la fotografía vino unos meses después. Quería poder acercar a mis amistades de alguna manera, ese otro mundo que tanta felicidad me daba, y pude hacerlo a través de una cámara. Hay que tener en cuenta que soy una aficionada en este campo pero con el tiempo y mucha paciencia he logrado imágenes muy bonitas y de las que me siento orgullosa.

La mayor parte de mis inmersiones han sido en Caleta Baja y Sardina del Norte (Gáldar), en esta última en los últimos años ha crecido muchísimo la vida marina. Otros puntos de inmersión en los que he estado han sido Tufia (Telde), El Cabrón (Agüimes) y La Restinga en la isla de El Hierro”.

La Exposición “Mi otro mundo, el azul” se podrá visitar en el Centro Socio-Cultural La Casa Verde de Firgas del 16 de febrero al 1 de marzo de 2024, los miércoles, jueves y viernes, en horario de 18.00 a 20.00 h.; y en horarios especiales para colectivos y centros educativos que así lo soliciten.

La inauguración tendrá lugar el próximo 16 de febrero en el Centro de Visitantes

La Concejalía de Turismo del Ayuntamiento de La Aldea de San Nicolás, que dirige Néstor Oliver Ramírez, ha organizado una exposición fotográfica en el Centro de Visitantes, antiguo Almacén del Muelle, titulada ‘Habitación 304. Una incursión fotográfica en el Sáhara Occidental’ del fotógrafo aldeano Julio Montesdeoca.

La muestra fotográfica realizada en El Sáhara se inaugurará el próximo viernes 16 de febrero a las 18.30 horas en el Centro de Visitantes, en la Playa de La Aldea.

Se podrá visitar hasta el 1 de marzo en horario de 10.00 a 15.00 horas los lunes y martes, de 10.00 a 18.00 horas miércoles, jueves y viernes, y de 09.00 a 15.00 horas los sábados y domingos.

Tras pasar por el Centro de Visitantes de La Aldea de San Nicolás, la muestra fotográfica recalará en los centros educativos y en diferentes espacios municipales, con el objetivo de acercar y facilitar el acceso a la exposición a todos los aldeanos y aldeanas.

Al respecto, el concejal de Turismo, Néstor Óliver Ramírez, ha señalado que “esta exposición demuestra el enorme potencial y talento de nuestro vecino Julio Montesdeoca”, que “cuenta en cada fotografía tomada en El Sáhara una historia única”.

Por ello, “invito a toda la ciudadanía grancanaria a sumergirse en esta exposición, a dejarse llevar por las emociones que transmiten estas fotografías”, y a “seguir apoyando las iniciativas culturales que se están llevando a cabo en el municipio de La Aldea de San Nicolás”.

La muestra “Memoria del átomo” de Carmen Cólogan y ‘Antropología’ de Nicolás Laiz Placeres indagan en la estética como lenguaje común

La inauguración será este viernes 2, a las 20.30 horas, y se podrá visitar hasta el 30 de marzo

El Centro de Arte La Regenta inaugura este viernes 2, a partir de las 20.30 horas, dos nuevas exposiciones en sus salas. Por un lado, ‘Memoria del átomo’, de Carmen Cólogan, retrospectiva comisariada por Eliseo G. Izquierdo, que recorre las sucesivas series y los elementos fundamentales que definen y conectan la obra de la artista desde mediados de los años ochenta hasta ahora. Por otro lado ‘Antropología’, de Nicolás Laíz Placeres, proyecto que indaga en el residuo plástico marino como subproducto de la cultura global humana que ha llegado a convertirse en parte de la naturaleza. Ambos proyectos podrán visitarse en este espacio del Gobierno de Canarias, de manera gratuita, hasta el 30 de marzo.

Las nuevas exposiciones han sido presentadas hoy por el viceconsejero de Cultura del Gobierno de Canarias, Horacio Umpiérrez, acompañado de ambos artistas, así como del comisario de ‘Memoria del átomo’, Elíseo G. Izquierdo y del director del espacio expositivo, Alejandro Vitaubet. Umpiérrez avanzó que estas muestras abren la programación de 2024 de La Regenta, que contará “con unas 77 actividades a lo largo del año”. Por su parte, Vitaubet señaló como ambos proyectos convergen en puntos como ‘memoria, tiempo y paisaje’; mientras que Laiz Placeres indicó que su trabajo se vértebra en torno a “la ciencia y la magia”. El comisario recordó que la creación de Cólogan tiene como uno de sus motores “la fragmentación y la búsqueda de lo mínimo”. Por último, la artista ha admitido que ‘No pinta lo que ve, sino que ve lo que pinta’, en relación a la potente introspección de su obra.

Carmen Cólogan y el retorno al origen

“El hilo conductor de esta obra es la memoria. Carmen Cólogan lleva cuarenta años creando un universo irreal, mostrando tanto el mundo externo como el suyo interno”, apunta Eliseo G. Izquierdo. ‘Memoria del átomo’ es un recorrido circular, transformador e integrador, donde se aglutinan todas las series del trabajo creativo de la artista. Su obra es un camino de llegada y no de salida, retornando siempre a la huella del origen, en el que se exhibe una búsqueda de la luz y de la esencia artística.

Sobre las líneas generales que han definido su obra, el comisario señala que “la perfección del dibujo y el equilibrio entre luz y color, permiten una reflexión sobre los procesos de transformación que la han conducido hasta las series actuales, y que le lleva a valorar lo espontáneo en tanto que gesto esencial”.

Los viajes, el trabajo de otros artistas como Giacometti, Rothko o Zurbarán, el transitar por la figuración o la abstracción, o la sensorialidad que arrastra el tacto y el gusto a través del volumen pictórico, son algunos de los elementos que han ido definiendo una vida dedicada a la creación.

Nicolás Laiz Placeres y la mano que acciona el objeto

'Antropología’ reúne una colección de cincuenta reproducciones de cráneos humanos que han sido realizados con resina transparente y plástico reciclado que el propio artista ha recuperado de las costas canarias. Durante el recorrido por la sala se plantea una incómoda, e inexorable pregunta: ¿Qué será del ser humano en un planeta en el que el plástico se integre junto a la naturaleza?

La muestra, aporta reminiscencias de espacios del Museo Canario o del Museo de Naturaleza y Arqueología donde se exhiben cráneos de aborígenes insulares. En lugar de restos orgánicos, ahora se encuentran calaveras con latas de cerveza, ganchos de pesca, patitos de goma y un largo etcétera.

“En sí, el plástico no es bueno ni malo. En una playa es basura. En tu cocina, lo que te ayuda a beber agua. Utilizo aquello que la humanidad ha desechado para darle valor estético y la capacidad de invitar a la reflexión. En sí, los objetos no tienen valor moral”, apunta el artista.

Actividades

Con la voluntad de acercar ‘Memoria del átomo’ al conjunto de la ciudadanía, el Centro de Arte La Regenta programa una serie de actividades gratuitas que incluyen visitas por la sala.

El viernes 9 de febrero a las 18.00 horas, se programará la ‘Inauguración infantil’ para menores de 7 años, y ‘Arte en familia’, el 22 de marzo a las 18.00 horas ideado para edades de 3 a 6 años acompañados por sus familiares. Ambas propuestas incluyen un taller posterior de estimulación creativa. Para público adulto, ‘Otra mirada’ en el que la restauradora Katarzyna Zych Zmunda ofrecerá un recorrido por el trabajo de Cólogan el 21 de febrero a las 19.00 horas. Y ‘Guiarte’, a cargo del Departamento de Educación y Acción Cultural del Centro ofrecerá una visita el 6 de marzo a las 19.00 horas.

El 7 de febrero a las 19.00 horas se presentará en el espacio los monográficos de la Biblioteca de Artistas de Canarias dedicado a Carmen Cólogan y a Manuel Padorno.

Además, Cólogan impartirá un curso de pintura ‘El jardín iluminado. Entre la tierra y el cielo. Pinceladas de agua y tintas chinas sobre papel’ durante las tardes del 27, 28 y 29 de febrero. Toda la programación de La Regenta es gratuita y la ciudadanía puede apuntarse a través de la página web del centro: www.laregenta.org. 

El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) ha programado para este año un total de 11 exposiciones con las que mantiene su compromiso de reivindicar y dar visibilidad a figuras destacadas del arte y la creación contemporánea de Canarias, del resto de España y de contextos culturales europeos y de América Latina, concretamente de la región del Caribe que ha mantenido una estrecha relación con el archipiélago canario, puesto que ambos territorios han vivido procesos similares de colonización, de flujos migratorios o de rutas comerciales y culturales en el contexto atlántico

La nueva programación incluye cuatro exhibiciones colectivas y siete individuales, dedicadas a las y los artistas Juan Hidalgo (Canarias), Carlos Garaicoa (Cuba - España), Zac Ové (Reino Unido - Trinidad), Rossy de Palma (España), Teresa Arozena (Canarias), Karlo Andrei Ibarra (Puerto Rico) e Idaira del Castillo (Canarias).

El centro de arte reafirma con los nuevos contenidos programáticos su propósito de seguir trabajando al servicio de la sociedad y de impulsar desde la cultura nuevos vehículos de conocimiento que puedan dotar a la ciudadanía de herramientas que contribuyan a generar líneas de análisis y de pensamiento crítico, tal y como destacó hoy la consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria, Guacimara Medina.

El primer bloque expositivo del año en la sede principal del CAAM arranca el próximo 22 de febrero con el proyecto ‘Memoria reciente’, una gran exposición colectiva que mostrará desde diferentes ángulos una destacada selección de obras de la Colección CAAM de alrededor de 140 artistas procedentes de las islas Canarias, nacionales e internacionales. Esta muestra -que ocupará las cuatro plantas del CAAM, incluye obras que van desde la década de los 80 del siglo XX hasta la actualidad; casi 40 años de producción artística en conexión con las líneas fundamentales de trabajo del museo.

De mayo a septiembre discurrirá el segundo bloque expositivo en la sede principal del CAAM con dos proyectos que se podrán visitar de forma simultánea dedicados al artista canario Juan Hidalgo y al cubano Carlos Garaicoa. Del célebre Juan Hidalgo (Gran Canaria, 1927-2018) se mostrará una selección de los fondos adquiridos por el Cabildo de Gran Canaria que vienen a completar la colección más importante sobre este artista, Premio Nacional de Artes Plásticas y referente del arte conceptual. La muestra incluirá instalaciones, objetos, fotografías y una selección bibliográfica.

Por su parte, la retrospectiva de Carlos Garaicoa (Cuba, 1966), uno de los artistas más conocidos de América Latina, será la exhibición más completa realizada hasta ahora en nuestro país en cuanto a revisión de sus líneas de trabajo más destacadas. Comisariada por Lillebit Fadraga, esta muestra se enmarca en las revisiones que el CAAM lleva realizando desde su fundación sobre la obra de figuras fundamentales de la creación contemporánea en América Latina y la región caribeña.

Tras el verano, comienza el tercer bloque expositivo, de octubre a febrero de 2025, con otras tres producciones artísticas que ocuparán simultáneamente las salas de la sede principal del museo para dar a conocer el trabajo del artista británico-caribeño con raíces en la isla de Trinidad, Zac Ové, de la conocida creadora española, Rossy de Palma, y de la artista canaria Tereza Arozena.

La muestra de Zac Ové (Londres, 1966), artista multidisciplinar residente entre Gran Canaria y Londres, plantea una revisión de su trabajo, que se centra en investigaciones y propuestas sobre la diáspora africana en el Caribe anglófono, concretamente en la república de Trinidad y Tobago, y su huella en la configuración social y cultural de ese país, además de la posterior influencia de su población migrante en el barrio de Nothing Hill de la capital británica y su Carnaval. El artista ha explorado también la esencia del Carnaval en la isla de Gran Canaria y su influencia africana. Será un proyecto comisariado por el especialista británico Paul Goodwinn,

Esta exposición convivirá con la muestra dedicada a la obra de la famosa artista de cine, teatro, modelo, escritora y cantante española, Rossy de Palma (Palma de Mallorca, 1964), que cuenta con una amplia trayectoria profesional. Esta creadora ha desarrollado en las últimas décadas un trabajo artístico de carácter multidisciplinar que abarca performance, instalación, escritura creativa, fotografía y vídeo. Su amplio espectro y singular universo creativo será mostrado por primera vez en el CAAM en una exhibición comisariada por el especialista y escritor franco-camerunés, Simon Njami, quien sigue de cerca su trabajo artístico desde hace más de dos décadas.

El tercer bloque expositivo se completa con la exposición individual dedicada a Teresa Arozena (Tenerife, Canarias, 1973), una de las creadoras más relevantes del ámbito fotográfico contemporáneo en las islas Canarias. Formada en Bellas Artes entre las universidades de La Laguna, la Complutense de Madrid y la Escuela de Bellas Artes de Toulouse, Francia, Teresa Arozena ha destacado en las últimas décadas tanto en el ámbito creativo como en el docente y el curatorial. Como investigadora de la fotografía y sus narrativas, exhibirá un proyecto específico para el CAAM, encargado por la Dirección Artística del CAAM.

En el espacio San Antonio Abab, de junio a octubre, el CAAM exhibirá la exposición de Karlo Andrei Ibarra (Puerto Rico, 1982), creador multidisciplinar cuya obra se inscribe en un espacio de trabajo conceptual con raíces y connotaciones políticas y sociales relacionadas tanto con la situación de su país natal, como con cuestiones vinculadas a la globalización y el Caribe, América Latina o el conocido como Sur global. La muestra reunirá una selección de obras, principalmente realizadas ‘in situ’, que mostrarán la amplitud de sus lenguajes y propuestas a modo de revisión de más de una década de trabajo. Se trata de otro proyecto encargado al artista directamente por la Dirección Artística del CAAM, en colaboración Galería ATM, Asturias.

También en el espacio San Antonio Abad, el CAAM exhibe de octubre a marzo de 2025 la muestra de la artista canaria Idaira del Castillo, comisariada por Carlos Díaz-Bertrana. Idaira del Castillo (Tenerife, 1985) es una creadora dedicada a la pintura que ha construido su particular lenguaje, tan imaginativo como cotidiano en sus relatos abiertos, y formalmente desde la combinación del patchwork y la pintura, expresada habitualmente en grandes formatos, a modo de enormes tapices o murales. Junto a esto desarrolla un trabajo más intimista con pequeños cuadernos ilustrados que funcionan como cuentos o relatos.

Además de las ocho mencionadas exposiciones, la sede principal del CAAM acoge este año nuevas ediciones de otras tres muestras colectivas, de pequeño o mediano formato, que ya son habituales en la programación anual del centro: ‘Espacio CV’ y ‘Artistas en Residencia’, que se organizan mediante una convocatoria de libre concurrencia para artistas de Canarias, así como ‘Territorio CAAM’, articulada con trabajos de estudiantes de la Escuela de Arte y Superior de Diseño Gran Canaria.

La programación de 2024 incluye también, como es habitual, una relación de actividades multidisciplinares y divulgativas vinculadas a la creación contemporánea, como conferencias, ciclos de conciertos, talleres, seminarios o charlas-coloquio, entre otras, además de las habituales actividades complementarias que organizan de forma paralela a las exposiciones.

Presupuesto y visitantes

Por otra parte, el Cabildo de Gran Canaria, institución que sostiene el funcionamiento del CAAM, ha destinado este año a su presupuesto un total de 4.270.000,00 euros, un 5,1% superior respecto al ejercicio económico anterior. En el capítulo de gastos de funcionamiento, el centro dispondrá de 2.400.000,00 euros, mientras que en el de personal serán 1.600.000,00 euros.

Sobre la cifra anual de visitantes, el CAAM registró en el año 2023 un notable crecimiento hasta alcanzar las 56.824 visitas, es decir 25.833 más que el año anterior, en el que se registraron 30.991 visitas.

Nayra Martín Reyes exhibe en la SAC ‘Xaxo’, una muestra multidisciplinar en torno a la exhibición de momias aborígenes en museos

Ángela Jiménez Durán presenta en El Tanque ‘Phanton eclipse’, una reflexión sobre el límite entre realidad y trascendencia

Doble apertura este vienes 26 en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) y el Espacio Cultural El Tanque, ambos centros de arte del Gobierno de Canarias en Santa Cruz de Tenerife. Por un lado, ‘Xaxo’, de Nayra Martín Reyes, llena la SAC con una muestra multidisciplinar que reflexiona sobre la relación entre el museo y la identidad canaria, a través de un prisma decolonial. Y en El Tanque, ‘Phanton eclipse’, de Ángela Jiménez Durán, bajo la curaduría de Dalia de la Rosa, transita los lugares tangibles e intangibles haciendo uso de los límites de la escultura.

‘Xaxo’: ¿Qué hacen mis antepasados expuestos en un museo?

¿Es lícito exhibir el cuerpo de seres humanos, como si fuesen curiosidades étnicas? Nayra Martín lanza, sin tapujos, esta pregunta a la ciudadanía canaria. Lo hace en la SAC usando como soportes visuales performance, instalación y vídeoarte. Esta muestra podrá disfrutarse a partir de este viernes 26 de enero y hasta el 14 de marzo, en el horario habitual de la sala (de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas).

‘Xaxo’ hace referencia directa a la polémica en torno a la momia guanche exhibida en el Museo Antropológico de Madrid (MAN), lo que conduce al inexorable debate de dónde debe exponerse la historia. “Los museos en Europa y en el mundo son construcción de herencia robada de las colonias. Parte de estas instituciones resultan de la evolución de los gabinetes de curiosidades del siglo XV, de los conquistadores que encontraban ‘cosas raras’ y las exponen. Y todavía tienen ese tipo de relación con lo que muestran”, explica Martín. Asimismo, propone la sala expositiva como una oportunidad para crear nuevos discursos a través del mismo espacio. Por ello, la artista se sumerge en una vitrina y exhibe su propio cuerpo, buscando la incomodidad del público y pregunta: “¿por qué naturalizamos la exhibición del cuerpo canario?”.

El proyecto, de carácter instalativo, aborda el talón de Aquiles de la identidad insular, en tanto a aquellas heridas abiertas resultantes del proceso de colonización del archipiélago. El título de la muestra corresponde al nombre que los indígenas canarios daban a los cuerpos mirlados, en contraposición al término europeo y generalizado de ‘momia’. A juicio de la creadora, “el xaxo del Barranco de Herques, al igual que todos los demás que están fuera, deben de ser restituidos a su isla y su comunidad. La continua negativa del museo y del gobierno español muestran claramente una actitud colonialista para con Canarias y que debe zanjarse”, defiende.

Nayra Martín Reyes (Tenerife, 1979). Es una creadora multidisciplinar canaria residente en Bélgica. Ha expuesto individualmente en el Spazio Maria Carrará de Milán, Gallery Hans and Fritz Contemporary de Barcelona o en KUN(S)T. También ha exhibido arte de acción en el Instituto Cervantes de Bélgica o en la Universidad de La Laguna.

‘Phanton eclipse’: entre lo tangible e intangible habita la poesía

¿Qué tienen en común un eclipse y un fantasma? Con esta pregunta lanzada al aire, Ángela Jiménez Durán nos invita a adentrarnos a un proyecto sobre los límites conceptuales entre la naturaleza y lo desconocido. Esto queda reflejado en los propios soportes que la artista elige y que, lindan en todo momento con los límites de la escultura, en un transitar entre la luz y la oscuridad.

‘Phanton eclipse’ es una exposición comisariada por Dalia de la Rosa, que abre sus puertas hoy, viernes 26, a las 20.00 horas, en el Espacio Cultural El Tanque, donde podrá visitarse hasta el 3 de marzo. “Es interesante que un proyecto que investiga tanto sobre el agua se exponga en un espacio como El Tanque, que en su día también almacenó líquidos”, comenta la curadora.

La artista Ángela Jiménez Durán propone el espacio como una forma de interpelación al cuerpo, que es sumergido en el contexto del tanque de petróleo en un tiempo suspendido, un tiempo fantasmal que está siempre por aparecer o por reaparecer. De la misma forma que un eclipse revela y oculta, un fantasma -una presencialidad no encarnada pero que es el pasado y el futuro en el ahora- desafía la lógica de lo presente y de la presencia.

Ángela Jiménez Durán (Madrid, 1996) vive en París y trabaja en la residencia artística POUSH. Graduada en la École d’Arts de Cergy en 2019, sus investigaciones en instalación y escultura mezclan ciencia ficción, poesía, geología y biología, explorando futuros inciertos.

Dalia de la Rosa (Tenerife, 1983). Es historiadora del arte, comisaria y crítica de arte. Una parte importante de su labor se centra en el comisariado, la elaboración de textos críticos, investigaciones en torno a campos como la relación entre arte y colonialidad en procesos de adaptación histórica de los flujos entre Canarias, América y Europa